El pasado sábado tuvimos el privilegio de asistir a uno de los conciertos más bonitos que hemos visto nunca.
Alfonso Casado, el joven director español que triunfa en el West End, reunió en el Auditori de Barcelona a cuatro de los cantantes de musicales más importantes del país, que junto al Cor de Cambra de Granollers, al Cor Jove Amics de la Unió y al Cor Infantil Amics de la Unió, y acompañados de la Orquesta Sinfónica de Barcelona, nos ofrecieron una selección sublime de canciones de musicales. Desde grandes clásicos de Rodgers & Hammerstein, como Sonrisas y Lágrimas, Cinderella o Carousel, hasta los éxitos más entrañables de Annie, La Bella y la Bestia e incluso Frozen.
Los cuatro solistas no podían ser más grandes. Nina (de la que actualmente podemos disfrutar en Barcelona en Mamma Mia), Ignasi Vidal (Los Miserables, La Bella y la Bestia), Julia Möller (La Bella y la Bestia, Los Miserables) y Gerónimo Rauch (Les Miserables, Phantom of the Opera). Todos ellos estuvieron excelentes y destacaron en algún momento de la noche, sin quitar nunca protagonismo a la OBC o a los coros que les acompañaban.
Entre los momentos que más brillaron: el final del primer acto, con un emocionante Maria de West Side Story interpretado por Gerónimo Rauch, seguido de Make Our Garden Grow, de la opereta Candide, interpretada por los cuatro solistas y los coros; cada vez que Julia Möller hizo de "princesa" con su voz de ángel, fuese junto a Gero con "Do I Love You Because You're Beautiful" de Cinderella (personalmente, una de mis favoritas) o junto a Ignasi con Beauty and the Beast (a los dos les sale el personaje por los poros de la piel e irradian complicidad); la interpretación de If I Can't Love Her de Ignasi Vidal, que nunca nos cansamos de escuchar, y que puso al público en pie; y, sobretodo, el impresionante "mash-up" de Yentl y Los Miserables (Papa Can You Hear Me/Bring Him Home/A Piece Of Sky) encargado por Casado al compositor catalán Albert Guinovart (se comenta que lo tuvo listo en solo dos días), interpretado por una soberbia Nina y por Gerónimo, que se llevó merecidamente la mayor ovación de la noche. No ha sido la primera y sabemos que no será la ultima vez que escuchemos en directo a Gero cantando Bring Him Home, pero cada vez es como un tesoro que guardamos en un rinconcito de la memoria. Para nosotras es EL MEJOR y nos encanta poder disfrutar de su voz antes de que el West End (o, ¿quien sabe? Broadway) se lo lleve de nuevo.
El concierto terminó con un celestial When You Believe, de El Príncipe de Egipto (os lo dejamos más abajo para que podáis disfrutarlo) y unos bises muy navideños, desde White Christmas, hasta "Fum, fum, fum", que el público coreó feliz y extasiado tras dos horas de conmovedoras sinfonías.
Todo ello fue amenizado con simpatía y salero por el propio Alfonso Casado, que disfrutó como un niño dirigiendo el concierto, enseguida conectó con el público y convirtió algo majestuoso en algo, a la vez, cercanoy especial. En cuanto a la belleza del espectáculo, el Director Artístico, Mariano Detry, fue el responsable.
Se suele decir que eventos así solo suceden una vez en la vida pero esperamos que no sea así y que, vista la respuesta del publico, podamos disfrutar de un recital similar las Navidades de 2016. Ya lo estamos deseando.
¡El viernes pasado volvimos a ir de estreno! Tenemos que confesar que íbamos con un poco de miedo a ver 'Sugar'... Con Faldas y a lo Loco es una de las mejores comedias de la historia del cine y es difícil estar a la altura. No obstante, desde el primer momento nos cautivó y ya no pudimos dejar de sonreír en toda la función.
Este musical basado en la película de 1959 de Billy Wilder, con libreto de Peter Stone y canciones de Jule Styne y Bob Merrill, se estrenó en Broadway en 1972 y Som-hi Films nos lo ha traido al Teatre Gaudí de Barcelona para que lo disfrutemos durante estas fiestas.
Dirigido por Pau Doz, con dirección musical de Bernat Hernández, y con unas coreografías de infarto de Laura Olivella, este divertidísimo espectáculo hará las delicias de los fans de la música jazz, de la danza y, lo que era más difícil, de la película original, haciéndole total justicia.
Pese a ser un espectáculo de pequeño formato, es ambicioso y explota al máximo sus posibilidades. La compañía la forman nada más y nada menos que 15 actores y bailarines y una big band de 5 músicos. Encabezan el reparto Bealia Guerra como Sugar, e Ivan Labanda y Xavi Duch como Joe y Jerry (o Josephine y Daphne) y los tres están que se salen. Bealia, dulce a más no poder, encabeza las coreos como una auténtica leading lady; Ivan está encantador y entregado ¡que gran actor es este chico! Nos dejó sin respiración con su interpretación de It's Always Love; Xavi en su salsa... divirtiéndose como el que más y divirtiéndonos a nosotros con su desparpajo y entusiasmo contagioso. Mención especial a Pep Cortés como Sir Osgood, el un-poco-creepy pero adorable millonario madurito que quiere ligarse a Daphne, y a Maria Santallusia,estupenda como Sweet Sue.
Como hemos avanzado, las coreografías son espectaculares y los bailarines y bailarinas más. Muestra del trabajo que hay detrás de este musical, son dignas de una gran producción y es un gustazo disfrutar de ellas de tan cerca. Es difícil no quedarse embobada con bailarines como Roberto Provenzano (de quien nos enamoramos un poquito) delante de ti.
Una de las cosas que nos resultó más curiosa es que aunque apenas haya escenografía, solo un par de elementos de atrezzo, esta no se echa de menos. El fantástico vestuario años 20 y el desarrollo de la historia hacen que te olvides de ello y en todo momento visualices claramente la escena (Chicago, Miami, un yate... lo que haga falta). Lo que podría haber sido una carencia del espectáculo, se convierte en un ejercicio de imaginación que lo eleva y, si has visto la película, te permitirá revivirla al 100%.
Las canciones, pese a no ser grandes temazos, son de fácil digestión y muy pegadizas (todo el mundo sale cantando "jo ho faig per la Sugar...") y su ritmo jazz de los años 20 acompaña perfectamente a la historia. Únicamente echamos de menos alguna presencia femenina en la banda de músicos. Ya que se supone que se trata de una banda de mujeres... qué menos que una mínima representación del género.
Como dice el Sr. Osgood, "nadie es perfecto", pero Sugar está cerca de serlo. No os lo perdáis... ¡No se puede empezar estas fiestas de una forma más dulce!
Pd: Somos fans, pero "fans de póster" (literalmente, ya que lo colgaríamos en la pared sin pensarlo), del precioso cartel del espectáculo, diseñado por Jordi Labanda.
El
viernes pasado fuimos de estreno y ya os avanzamos que os contaríamos "qué
tal". Como lo prometido es deuda, aquí tenéis nuestras impresiones sobre '5Cinc', la nueva propuesta del Versus Teatre de Barcelona.
Si
tuviésemos que elegir el teatro más "musicalero" de la Ciudad Condal,
sería sin duda el Versus Teatre. Cada vez son más las propuestas de teatro
musical con las que arriesga esta pequeña sala que nos encanta, y esperamos que
eso no cambie. Tras 'Dies Normals', que dejó el listón muy alto, nos traen este
"songcycle" (término que hemos aprendido a raíz de ver que todo el
mundo lo utilizaba para describir este espectáculo, y que significa "ciclo de
canciones completas diseñado para interpretarse en una secuencia como una
unidad") en el que cinco jóvenes en busca del éxito, expresan sus
sentimientos a través de versiones de canciones de teatro musical.
Pues
bien, a nosotras este "songcycle" nos gustó, disfrutamos mucho...
pero le vimos más semejanzas a lo que viene siendo un concierto de los de toda
la vida que a un musical. Una vez aclarado esto, deciros que la selección de
canciones hará las delicias de cualquier amante de los musicales y los
originales arreglos de Marc Sambola, que pese a su juventud ya es uno de los
grandes compositores del teatro musical catalán, sorprenderán hasta al más
entendido en el género. Desde
grandes clásicos como Somewhere Over The Rainbow, The Sound Of Music o I
Dreamed A Dream hasta canciones de musicales actuales que aun no han cruzado el
charco como 'If/Then', 'Bridges of Madison County' o 'Something Rotten'. Pese
a que algunas de las versiones de Sambola pueden sonar un poco arriesgadas o
demasiado alejadas de la melodía original para los más fieles, otras (sobretodo
las de las canciones archiescuchadas) son un soplo de aire fresco innegable.
Por encima de todo lo anterior, lo que da personalidad al espectáculo son las
armonías a cinco voces, que hacen brillar a los cinco artistas incluso más que
en sus momentos de lucimiento individual.
Estas
cinco voces de las que tanto estamos hablando son Laura Daza (Dies Normals), Sylvia Parejo (Los
Miserables), Judith Tobella (Los Miserables), Marc Flynn (Per Sobre De Totes Les Coses) y Jan
Forrellat (Per Sobre De Totes Les Coses, Los Miserables) y están dirigidas por David Pintó (Mares i Filles). Los cinco son muy
jóvenes pero ya presumen de carrera en el teatro musical de este país y si
habéis oído sus voces sabréis porqué. Pese a que se les notaban un poco los
nervios típicos del estreno, volvimos a alucinar, como en 'Per Sobre De Totes Les
Coses', al escuchar como Marc y Jan llegaban a todas las notas (este último
incluso a las imposibles de One Second and a Million Miles del maestro Jason
Robert Brown). ¡Un puntazo la interpretación masculina de 'Don't Rain On My
Parade' por parte de Jan! De Sylvia nos encantó su voz dulce pero llena de matices y su
interpretación de un modernizado I Dreamed A Dreamed; de Laura Daza, su química
con Jan; pero la sorpresa de la noche nos la llevamos con Judith Tobella, que
hasta tirada por el suelo nos dejó boquiabiertos con su vozarrón y su seguridad
en el escenario.
En
fin, pese a que se trata de un espectáculo muy minimalista y la escenografía
escasea un poco, las versiones y las voces valen la pena y siempre es un placer
escuchar canciones que nos gustan tanto así de bien cantadas. Esperábamos algo un poco más teatral pero, de momento, nos conformamos encantadas con este '5Cinc'
hasta el próximo "Off-Broadway" que seguro nos ofrecerá el
Versus Teatre.
¿Lo mejor? Si os gusta, podéis comprar el CD a la salida ;).
La marquesina de 'Cabaret' vuelve a brillar en la Gran Vía de Madrid desde el pasado septiembre. Nosotras ya estábamos hartas de que nos contaran lo bien que está esta nueva producción así que aprovechando el puente nos plantamos en la capital para comprobarlo con nuestros propios ojos (y oídos).
Tenían razón, 'Cabaret' HA VUELTO, y con mayúsculas. Este musical que revolucionó el género en los años 60 y que fue llevado al cine por Bob Fosse en el 72, convirtiendo a Liza Minelli y Joel Grey en auténticos iconos, no pasa de moda y SOM Produce lo sabe. Por eso, nos traen esta nueva y mejor, ambiciosa y espectacular producción digna de Broadway.
Edu Soto es EMCee, el Maestro de Ceremonias que nos invita al Kit Kat Klub, un Cabaret del Berlín de 1931 donde el alcohol, el sexo, el jazz, la frivolidad y la diversión dominan la noche y donde los problemas no existen, pero que está a punto de ser sacudido por la realidad del nazismo en pleno auge. Soto brilla con luz propia y lleva el papel a su terreno. Con su primer "Wilkommen, bienvenue..." entras en su mundo y no sales de él en toda la función, ni si quiera en el entreacto (os recomendamos que no vayáis muy lejos de vuestra butaca). Pasando de un descarado pero entrañable bufón a un desengañado borracho nunca deja de entretener al público rompiendo la cuarta pared y haciendo sentir importante a cada uno de los espectadores desde las primeras filas hasta las últimas. Su risa es inolvidable y su propia personalidad queda disimulada pero, por suerte, no oculta detrás del maquillaje.
Cristina Castaño es la más valiente. Sally Bowles es uno de los personajes femeninos más complejos e importantes de la historia del musical y no todas se atreven. Las canciones que tiene que cantar son clásicos que han sido interpretados por grandes voces y grandes actrices. Su burbujeante Sally, fuerte pero a la vez frágil, aprueba y con nota. Cristina es actriz, no cantante, y eso se nota en algunos momentos pero su interpretación es tan potente que lo demás se olvida. Y, de todos modos, ¡ya les gustaría a Emma Stone o Sienna Miller (dos de las últimas Sally Bowles en Broadway) cantar así! Su desgarradora versión del '11 o'clock number' "Cabaret" nos rompió el corazón en mil pedazos y se llevó el mayor aplauso de la noche.
No pudimos ver a Daniel Muriel como Clifford pero pudimos disfrutar de Carlos J. Benito (desde luego, este hombre es omnipresente en la cartelera teatral madrileña ya que también lo vimos hace tres semanas en Priscilla dándolo todo entre plataformas y purpurina) que demostró tablas y nos ofreció a un Cliff tierno al principio y desilusionado al final. La siempre excelente Marta Rivera demuestra de nuevo que es una de las más grandes del género musical en este país como Fraulein Schneider, la dueña de la pensión que se enamora de Schultz, el frutero judío interpretado por un afable Fernando Samper en la función a la que asistimos. Para deleite de nuestros oídos, Víctor Díaz interpreta al malvado Ernst con una seriedad aplastante y una voz que hace estremecer al bello Teatro Rialto entero (atentos al 'reprise' de Mi Lucha Empieza Aquí que cierra el primer acto). El resto del elenco está fantástico y no podréis dejar de mirar a los bailarines y bailarinas del Kit Kat Klub durante las coreografías. Lo más importante de Cabaret es la drástica evolución de los personajes a causa del momento histórico que viven y todos reflejan esa transformación a la perfección.
La magnitud del montaje es alucinante y la iluminación, que al principio irradia vida y al final muerte, saca lo mejor tanto de la escenografía como del elenco. El conocido número "Money, money" es verdaderamente espectacular. El colorido vestuario está a cargo de Antonio Belart y nos hemos enamorado del vestido rojo de Sally, totalmente de ensueño... La banda de jazz en directo es un auténtico deleite.
Solo tenemos dos "peros". Echamos de menos "Mein Herr", una de las canciones más emblemáticas. ¡Nos hubiese encantado ver a Cristina interpretándola! Y, por otro lado, si tienes las canciones originales tan en mente como nosotras, cuesta un poco acostumbrarse a la traducción al español, como de costumbre.
Por todo lo demás, es un plan imprescindible y sin duda el musical de la temporada. Esperamos que ilumine por mucho tiempo más la Gran Vía madrileña.
Mañana, por fin, se estrena de nuevo 'Mamma Mia!' en el Teatre Tívoli de Barcelona. El músical con canciones de ABBA es uno de los mayores éxitos en este país (se representó durante 7 temporadas seguidas), vuelve renovado y nosotras, que hemos tenido la suerte de poder asistir a una función previa, os avanzamos que ¡no podréis resistiros!
El elenco está de nuevo capitaneado por Nina, como no podía ser de otra manera. Es la actriz que más veces ha representado el papel de Donna en todo el mundo (y a la que mejor le queda el mono brillante) y eso se nota. La naturalidad y seguridad con la que la interpreta son aplastantes. Nina es Donna y Donna es Nina y punto, no aceptamos discusiones sobre este tema.
El resto del elenco es nuevo pero está lleno de caras conocidas del "mundillo". Clara Altarriba ("Molt Soroll Per No Res", "L'esbudellador de Whitechapel") brilla como Sophie -esta chica se merecía YA un papel principal en una gran producción como ésta- y nuestro querido Carlos Solano (Los Miserables, My Fair Lady, Grease...) como siempre, irradia carisma como Sky. Olga Hueso (Sister Act) y Eva Diago (Los Miserables, La Bella y la Bestia) son las Dynamo Tanya y Rosy, y son las causantes de las carcajadas del público. Olga es sin duda la sorpresa de la temporada y el papel le va como anillo al dedo. Nando González (High School Musical, Marta Tiene Un Marcapasos) Paul Berrondo y Albert Muntanyola (40 el Musical, La Bella y la Bestia, Fama) son Javi, Bruno y Sam respectivamente y los tres tienen sus momentos de gloria. ¡Lo de Albert sí que es cantar y no lo de Pierce Brosnan! ;). De los demás destacar la energía de Lydia Fairén (High School Musical, Los Miserables, La Bella y la Bestia) y Laura Enrech (Los Miserables, La Bella y la Bestia) como las amigas de Sophie y a Jonnhy Varo como Chili, que se come el escenario junto a Olga en "Sabe Tu Mamá Dónde Estás". Los bailarines son increíbles y las escenas en que llevan neopreno no tienen desperdicio...
La escenografía, la iluminación y el vestuario lleno de colores os trasladarán a una isla griega de ensueño y, por momentos, a esas discotecas setenteras que tantos añoran.
La historia no hace falta que la contemos, que todo el mundo la conoce... Simplemente diremos, para los que solo hayáis visto la película, que el musical es mucho mejor, más elaborado, coherente, emocionante y cercano.
De todos los momentos maravillosos del musical, nosotras nos quedamos con el momento sentimental entre Donna y Sophie con "Siento Que Se Aleja" por la química entre Nina y Clara (aunque físicamente no se parezcan en nada); con "Va Todo Al Ganador", porque nadie lo canta como Nina y nos encanta ver como el público se queda con la boca abierta; y con un incombustible "Voulez-Vous" perfectamente ensamblado que cierra el primer acto dejándote con ganas de mucho más.
En fin, si sois fans del musical (de los fieles) no hace falta que os digamos nada porque seguro que ya estáis deseando ir, si os gusta la película no os lo perdáis porque en teatro os gustará mucho más, y si la película no os acaba... atreveros a darle una nueva oportunidad a esta historia y estos temazos de ABBA desde una nueva perspectiva teatral y os aseguramos que no os defraudará.
Desde aquí queremos mandar nuestros mejores deseos a todo el equipo de 'Mamma Mia!' para el estreno. Estamos seguras de que será espectacular y sólo el comienzo de un largo y exitoso camino.
Todos conocemos esas aventuras a tierras lejanas, llenas de misterios y peligros, pero muchas veces, los viajes más duros, los mayores descubrimientos, se realizan sin que nos movamos ni un centímetro de nuestra posición inicial. Estos viajes, a veces los hacemos a solas, sin apenas ser conscientes de ello, puede que incluso en pijama o envueltos en nuestra manta favorita. Otras veces necesitas que tres drag queens en un autobús recubierto de purpurina te guíen.
Y es que en este musical se entremezclan esos dos tipos de viaje, porque Priscilla, Reina del Desierto es mucho más que canciones disco pegadizas y plataformas imposibles. No es casualidad que la película de los noventa en la que está basado este musical se haya convertido en todo un icono y sea un clásico que conocemos hasta los que cuando se estrenó todavía calzábamos zapatillas con velcro y necesitábamos ruedas accesorias en la bici.
La historia comienza con Tick, una drag queen (nom de guerre: Mitzi Mitosis) en un tugurio de mala muerte de Sidney que decide emprender una aventura cruzando la Australia profunda para conocer a su hijo. Para ello busca la ayuda de Bernadette, una vedette transexual que vive del recuerdo de éxitos pasados, y Felicia, una joven drag queen entusiasta y bastante inconsciente obsesionada con Madonna. Los tres, junto a Priscilla, un viejo autobús reconvertido en autocaravana, emprenden el viaje que las llevará, y a nosotros en nuestra butaca, a enfrentarse a sus miedos e inseguridades, a recordar el valor de la amistad o a volver a creer en el amor. Ya que, a veces, somos nosotros mismos los que nos ponemos los principales obstáculos que nos impiden alcanzar la felicidad.
Porque todos necesitamos, de vez en cuando, que nos recuerden que hay un tipo de amor que nace del respeto mutuo y las aventuras compartidas, otro que requiere valor y un salto de fe y, por último, ese que va implícito, que no pide nada a cambio porque se lleva en la sangre.
Un magnífico Jaime Zatarain hace al espectador cómplice de las dudas y miedos de Tick, de su deseo de ser aceptado por ese hijo al que no conoce. Es él quien tiene algunos de los momentos más dulces del musical, que puede que hicieran que a servidora se le escapara alguna lagrimilla... ¡no tengo remedio!
El trío lo completan Jose Luis Mosquera, muy sólido en el papel de Bernadette (uno de los cambios con respecto al reparto que estrenó este musical la temporada pasada) y un brillante Christian Escuredo, que derrocha tanta energía como la alocada Felicia que no puedes evitar preguntarte cómo es posible que haga varias funciones al día. Junto con estos tres protagonistas no puedo dejar de mencionar a Aminata Sow, Rossana Carraro y Patricia del Olmo, que interpretan a las tres divas que prestan su voz a varios de los éxitos que suenan... y menuda voz!!
Además del resto del elenco, que ya tiene mérito bailar todas esas coreografías con el estrambótico vestuario del musical!
Después de ver Priscilla es fácil comprender cómo sigue cosechando éxitos en su segunda temporada en la capital española, entre ellos sus 14 nominaciones a los premios de la web Broadwayworld.com (podéis votarlos aquí).
Atreveos a cruzar el desierto en el autobús de purpurina y no sólo saldréis con un subidón de energía (y puede que alguna pelota de ping-pong ;P), sino que el chute de positividad os durará toda la semana!!
Como dice Christopher Wren: "Adoro las canciones de cuna, son siempre tan trágicas y macabras... por eso les gustan tanto a los niños".
Es así, con la nana de los tres ratones ciegos, como empieza La Ratonera.
Para los que no la conozcáis, esta obra de teatro fue escrita por Agatha Christie allá por mediados del siglo XX y ha sido representada de forma ininterrumpida en el West End durante más de 60 años!! Más de 25.000 funciones!! 300 actores!! Me seguís, no?
La acción transcurre en los años cuarenta, en el interior de la mansión Monkswell, una casa victoriana a las afueras de Londres reconvertida a casa de huéspedes. El día de la apertura, los dueños se quedan atrapados junto con los seis primeros huéspedes en la mansión a causa de una gran nevada. Todo se complica con la llegada del Sargento Trotter para investigar la relación de los habitantes de la casa con un asesinato que ha ocurrido en Londres, del que sólo se sabe la descripción física del sospechoso (gabardina oscura, sombrero de fieltro y bufanda clara), y que dejó escrita la dirección de la mansión además de la letra de la nana de los Tres Ratones Ciegos. En una historia en la que nadie es quien parece ser y nadie está a salvo ni libre de sospecha, el espectador intentará llegar al fondo del asunto a la vez que los protagonistas de la historia. Y hasta aquí puedo leer porque... siguiendo con la tradición de la obra original, a todos los asistentes a la función nos informaron tras los saludos finales que ahora ya formamos parte del misterio que es La Ratonera y, por tanto, no podemos difundir el final de la obra.
La obra, con una estética muy cuidada y un estilo que reconocerá cualquiera que esté familiarizado con las obras firmadas por Victor Conde, transporta al espectador a uno de esos clásicos del cine protagonizado por esos galanes de los que ya no se fabrican. Destaca la solidez de las interpretaciones de todo el elenco, encabezado por Mariona Ribas y Aleix Rengel como Mollie y Gilles Ralston, Ferran Carvajal como el Sgto. Trotter, Anna Gras-Carreño, Santi Ibáñez, Joan Amargós, Isabel Rocatti y Xavier Bertran como Miss Casewell, Com. Metcalf, Christopher Wren, Miss Boyle y Paravicini, respectivamente. Es una verdadera delicia cuando un personaje esperpéntico y sobreactuado no queda forzado en absoluto, sino que se nota que el personaje es así por alguna razón... O cuando, por el contrario, otro personaje transmite tanto por sus silencios y la posición de su cuerpo como por lo que dice.
Dicho esto sólo puedo concluir de una forma: Si tenéis la suerte de que LA RATONERA para en alguna ciudad cerca vuestra, no lo dudéis, CORRED A COMPRAR ENTRADAS. Os prometo dos horas de misterio y teatro de la mejor calidad.
Al
pensar en los musicales de Dagoll Dagom, nos vienen dos a la cabeza: los
míticos 'Mar i Cel' y 'Flor de Nit'. La producción original de 'Flor de Nit',
con libreto de Manuel Vázquez Montalbán y música de Albert Guinovart, es de
1992. Yo tenía 3 años así que, como comprenderéis, no la vi. El año pasado se
estrenó en Barcelona, en el Almeria Teatre, un revival en versión 'Cabaret' de
este musical producido por Gataro y, pese a las ganas que teníamos, al final no
pudimos verlo y nos quedamos con la espinita clavada. Por suerte, el
espectáculo está de gira y el viernes pasado pasaba por el teatre Auditori de
Sant Cugat, muy cerca de Barcelona. Esta vez no perdimos la oportunidad y por
fin pudimos disfrutar de esta joya.
El
título del espectáculo, 'Flor de Nit, el Cabaret', ya nos daba pistas de cómo
iba a ser la cosa. La platea convertida en una sala de cabaret con un montón de
mesas, el vestuario provocativo de los actores y los primeros giros de muñeca a
lo "Bob Fosse" nos lo confirmaron. Y es que la Barcelona de finales
de los 30 no era tan diferente del Berlín de esa época. En un momento de agitación
político, el Paral·lel nocturno, lleno de clubs de alterne, teatros de revista,
y, sobretodo, muchos bohemios revolucionarios y soñadores, vivía una época de
esplendor.
'Flor
de Nit' cuenta la historia de uno de esos clubs y de cómo Rosa, una chica
sencilla y con principios, acaba siendo una de las atracciones principales del
mismo. Atrapada entre dos hombres, Quimet, un anarquista revolucionario, y
Reynalds, un burgués intelectual que la colma de atenciones y regalos, deberá
elegir entre dos vidas y luchará por seguir fiel a sus ideales a pesar de las
circunstancias.
La
partitura es una maravilla (muchos dicen que la mejor de Guinovart) y los
arreglos de Xavier Torras son un gran acierto que encaja de maravilla con la
sugerente coreografía. Tres músicos y cuatro instrumentos (un piano, un saxo,
un clarinete y un violín) son suficientes para que las variadas melodías -copla, jazz,
tango...- embriaguen al púbico.
El
elenco, liderado por Beth Rodergas, que defiende el papel de Rosa con pasión
(va mejorando a medida que avanza la función), lo componen Lluís Canet, Lluís
Parera, Marc Pujol, Bealia Guerra, Patricia Paisal y Joan Vázquez, algunos de ellos
realizando hasta tres papeles distintos. Destacan los carismáticos Joan Vázquez
y Patricia Paisal, que se meten al público en el bolsillo cada vez que cantan.
La
escenografía, el vestuario y el maquillaje recuerdan mucho a algunas escenas de
Cabaret o Chicago.
Estamos
seguras que esta reinterpretación cabaretera del musical ha sorprendido
gratamente a aquellos que recuerdan la producción original. A nosotras nos ha
gustado, pero seguimos con el deseo de volver atrás en el tiempo para poder
disfrutar de la esencia de aquel primer 'Flor de Nit' que cautivó a Barcelona
en el 92. ¡Quién tuviera una máquina del tiempo...!
¿Qué pasa si coges una obra de Shakespeare,
le pones música de Cole Porter e Irving Berlin, y la ambientas en una glamurosa
comedia de cine de los años 50? Parece que pueda pasar de todo pero si el
material está en manos de Àngel LLàcer (poca gente conoce mejor lo que quiere
el público) el resultado es “Molt Soroll Per No Res”, el nuevo musical del
Teatre Nacional de Catalunya que en su primer fin de semana ya se ha metido al
público en el bolsillo.
Se trata de una adaptación de “Much Ado About Nothing" ("Mucho Ruido Y Pocas Nueces"), una tragicomedia de Shakespeare llena de enredos
amorosos que Àngel LLàcer y Manu Guix han convertido en una elegante fiesta.
El musical empieza con una
obertura instrumental, como los grandes clásicos. Una orquesta convertida en una Big Band muy “vintage”,
dirigida por Manu Guix al piano, nos avanza al son del mejor jazz y swing la música que nos acompañará durante el resto de la
velada.
Tras un delicado Let’s
do it, let’s fall in love interpretado por Hero (Aida Oset) empieza a
desarrollarse la trama. Dos parejas de jóvenes enamorados tendrán que sobreponerse a obstáculos,
traiciones, envidias, malentendidos, entremetimientos familiares y hasta su
propio orgullo. ¿Triunfará el amor?
El elenco lo conforman David
Verdaguer, Bea Segura, Victòria Pagès, Aída Oset, Marc Pociello, Jordi Coll,
Albert Triolà, Lloll Bertran, Clara Altarriba, Oriol
Burés, Enric Cambray, Bernat Cot, Albert
Mora, Òscar Muñoz y el propio Llàcer, que se lo pasa pipa
interpretándose a sí mismo (hace de director de la película). Muchos de ellos
no son actores de musical y se nota en algunas voces, que se quedan en
correctas, pero las coreografías y las actuaciones irradian tanta ilusión que lo
demás se pasa por alto. La química entre David Verdaguer y Bea Segura, que
brillan como Benedicte y Beatrice, hace saltar chispas.
Los más musicaleros, atentos a Clara Altarriba (L’esbudellador
de Whitechapel, y pronto la veremos como Sophie en Mamma Mia…) que presume de vozarrón
en un par de ocasiones (sobre todo en ‘Begin
the Beguine’), al divertidísimo ‘Make 'em laugh’ al estilo Gene Kelly y Donald O’Conor y al momento "Chorus
Line".
L@s más pícar@s atent@s al
momento calzoncillos de Jordi Coll (Grease) y Marc Pociello ;).
El equipo creativo lo forman Sebastià Brosa (escenografía), Míriam Compte (vestuario), Albert Faura (iluminación), Roc Mateu (sonido), Aixa Guerra (coreografía) y Xavi Duch (voz). La adaptación de las canciones es de Marc Artigau (que también acompaña a Llàcer en la dramatúrgia) y Manu Guix.
Sí. Es un Shakespeare, combina la
prosa y el verso… pero no esperéis un relato profundo sobre el sentido de la
vida. “Molt Soroll Per No Res” es simplemente entretenimiento puro sin aspirar
a algo más y por eso funciona. Dejaros llevar por la música y el romanticismo; dejaros
hipnotizar por las coreografías (las grupales destacan especialmente) y los
colores de la escenografía, el vestuario y la iluminación; reíd con el humor
absurdo tan característico de las comedias de los 50… ¡y lo pasaréis en
grande!
Si a veces al teatro catalán le
falta encanto, “Molt soroll per no res” tiene la dosis perfecta. No os lo
perdáis. Let’s fall in love!
P.d. para theatre nerds: Alguien
más cree que Bea Segura se parece MUCHO a Ann Reinking (la musa de
Bob Fosse)? :O
Could it be? Yes, it could! Something's coming, something good!
Y tanto que algo bueno se acerca! Al más puro estilo West Side Story llega Joan Vázquez el martes 20 de octubre a la sala Luz De Gas de Barcelona. En un concierto íntimo en el que se acompañará a si mismo al piano, nos acercará las canciones de Sondheim, uno de los compositores que revolucionaron la escena del teatro musical americano de primeros del siglo pasado.
Si todo esto no había sido suficiente para convenceros, los beneficios del concierto irán destinados a AFNE (asociación de familias de niños de Etiopía). ANFE es una ONG que crearon en 2003 las primeras familias que
adoptaron hijos en Etiopía. Su actividad se divide entre Cataluña y Etiopía manteniendo los
vínculos culturales con el país de origen de sus hijos y cooperando
directamente con Etiopía. Colabora con la la MCSPA en la financiación del Centro
Materno-infantil de Muketuri des del año 2010, en tres líneas de
acción:
Educación y nutrición a unos 400 niños en edad preescolar
de 4 a 6 años y atención a niños con problemas.
Capacitación de les familias para la mejora de la producción
de alimentos fomentando la creación de huertos familiares.
Excavación de pozos manuales con la instalación de bombas
de cuerda que les permite tener agua todo el año. De cada
pozo se benefician cinco familias
www.facebook.com/afne.org
www.afne.org
A qué estáis esperando para correr a por vuestras entradas?? Es por una buena causa!
Hay veces que parece que los que están detrás de ciertas campañas publicitarias desgravan con Hacienda. Como esta de AT&T.
En un año en el que actores de todo el mundo están en pie de guerra contra los espectadores que sacan los teléfonos móviles en mitad de la función (mostrando una falta de respeto absoluta hacia actores y resto de espectadores), a la compañía de telefonía móvil no se le ocurre otra cosa que twittear este anuncio animando a que vean mientras es partido con la frase "No dejes que la vida se interponga entre un buen juego y tu". Menos mal que ya han borrado el tweet... No antes de que toda la ira (e ironía) de la comunidad de Broadway cayera sobre ellos!
Las hay afortunadas como Laura Osnes, que se convertía en una 8 veces a la semana en la Great White Way... Y, encima, la nominaron a un Tony por ello!! Parece ser que Laura echaba de menos eso de llevar corona porque este año organizó este divertido concierto de Princesas Disney en la sala 54 Below.
Os dejo su medley de Cenicienta, con canciones de la película de Disney, del musical de Rogers&Hammerstein... e incluso de Into the woods!! El resto de actuaciones del concierto están también en YouTube cortesía de Benjamin Rauhala y FamousInNY. Nuestras preferidas? La de Jeremy Jordan (por supuesto), Kara Lindsay y Caissie Levy (divertidísima).
El musical Sister Act está de gira por nuestro país después del éxito cosechado la pasada temporada en Barcelona.
Servidora, como sabéis, vive en Valencia... Y ya tenemos fecha del paso de las monjas mas marchosas por la capital del Turia: FEBRERO DE 2016! Ya podéis comprar entradas en su web.
Hola, gente! Lo sé, os tengo abandonadísimos, así que antes que nada me gustaría dar las gracias a todos los que seguís aquí pese a que hayamos bajado un poco el ritmo (y agradecerle a Paola que defienda el fuerte mientras estoy estudiando).
Estos días, pese a estar encerrada en la mazmorra, ha sido imposible vivir ajena a la revolución que está suponiendo HAMILTON en Broadway basado en la biografía de Alexander Hamilton (uno de los padres fundadores de los Estados Unidos) por Ron Chernow. El musical, con letra y música de Lin-Manuel Miranda (In The Heights) cuenta la historia del primer secretario del tesoro de EEUU a base de música hip-hop, R&B o jazz, dándole un toque contemporáneo a los pantalones bombachos o las enaguas que lucen los actores. Protagonizado por el propio Miranda y con nombres como Jonathan Groff o Leslie Odom Jr., el musical acumula visitas tan relevantes como el actual presidente Obama con sus hijas, la primera dama, los Clinton y todas las celebrities que se te puedan ocurrir (y si, quien sea, no ha ido todavía, no dudes que ya lo tendrá escrito en el calendario).
Photo Credit: NYPost
En resumen, es el éxito de la temporada, tanto que ya se están haciendo chistes con si este año los Tony Awards deberían llamarse Hamiltonys porque nadie duda que va a arrasarlos, junto con cualquier premio al que sea candidato este año. Pero no es solamente en este frente en el que está haciendo historia este musical...
En nuestra sección #BwayParaPrincipiantes ya os hemos hablado hablado de las LOTTERIES, que son esos sorteos que realizan la mayoría de musicales de Broadway (y algunos del West End) dos horas antes de cada función y que permiten al afortunado ganador comprar 2 entradas de primera fila a un precio realmente asequible (alrededor de los 20-30 $). Generalmente se suele aconsejar que se vaya en días entre semana, matinées, días de lluvia... días que pueda haber poca gente para aumentar tus probabilidades de ganar. El proceso, en sí, suele ser bastante divertido: primero rellenas tu papeleta con tus datos y la metes al bombo. Cuando llega la hora, los encargados de seleccionar las papeletas, "la mano inocente", suelen ser actores del reparto o personal de la producción e intentan hacer todo lo posible para animar a los candidatos que ahí se reúnen. En la lottery que estuve yo, para The Book Of Mormon en Londres, nos dijeron que teníamos que gritar bien fuerte cada vez que saliera un nombre, nos hicieron cantar cumpleaños feliz a gritos a una de las ganadoras y cosas por el estilo. Al principio, por eso de estar una mañana de miércoles en mitad de la calle en pleno centro de Londres daba un poco de vergüenza, pero os puedo asegurar que la emoción se iba contagiando y, apenas llevaban cinco nombres cuando ya estábamos todos gritando como locos... He de reconocer que el hecho de que con sólo oír cómo decían "desde España..." yo ya estuviera gritando, ayudó un poco (bastante) a ese ambiente festivo.
El caso, que me voy por las ramas, es que un musical tan especial como HAMILTON no podía tener otra cosa que una lottery muy especial. Tanto, que reúne cada día a más de 100 personas, gente que muchas veces ni siquiera quiere optar a esas entradas baratas (en el caso de este musical, a 10$ en efectivo por ser la cara del susodicho Hamilton quien aparece en el billete).
¿Y a qué se debe semejante afluecia? Pues a que cada #HAM4HAM ("Hamilton for Hamilton" o 1 Hamilton por un Hamilton) es todo un espectáculo. Puedes encontrarte a Lin-Manuel contestando a preguntas usando sólo la letra de Les Misérables a través del megáfono, miembros del reparto versionando éxitos o miembros de otras compañías haciendo apariciones especiales bien sea cantando canciones de su show (como Andy Mientus y Krysta Rodriguez cantando Totally F*cked de Spring Awakening con Jonathan Groff) o de otros (James Monroe Iglehart de Aladdin cantando Ragtime) o actuaciones como esta de Kelli O'Hara rapeando junto a Lin-Manuel.
Viendo esto, queda claro que en Hamilton han convertido las lotteries en un auténtico arte al que no pueden resistirse ni los actores de los otros musicales de la zona así que, si vais a NY (independientemente de que os aconsejemos que no dudéis en visitar este musical), cuando tengáis un hueco, pasad por la puerta del Richard Rogers Theatre (46th St.) a eso de dos horas antes de la función y nos contáis cómo fue vuestro #HAM4HAM.
"@Matt_Morrison: One of my favorite things to do between shows is getting incognito and seeing the #Ham4Ham show!…"
Desde aquí, sólo puedo despedirme de una forma:
#YAYHAMLET* #OLÉHAMLET
*(Y esta pequeña broma, la dejamos ya para otro post :P)
Escribo esto mientras tengo puesto de fondo el cast recording de Ordinary Days y recuerdo todo lo que ayer sentí...
En el Versus Teatre se puede disfrutar hasta finales de septiembre de "Dies Normals", la adaptación catalana de este musical de Adam Gwon, que encandiló al Off-West End y al Off-Broadway. Cuenta la historia de 4 jóvenes (Jason, Claire, Warren y Deb) en el Nueva York actual y su vida cotidiana, sus miedos, sus emociones y sentimientos en el momento de su vida en que se encuentran. Cada día pensamos, sentimos y nos preguntamos miles de cosas y este musical, en vez de ignorarlas, da importancia a cada una de ellas y encima les pone música. Es tan fácil verse reflejado en sus personajes, sus frases y sus situaciones que parece mágico. ¿Quien no se ha sentido perdido, fuera de lugar, ignorado, enamorado, agobiado... alguna vez?
Con una partitura muy melódica, las canciones destacan por su frescura y sinceridad y unas letras divertidas y a la vez profundas y llenas de metáforas. Marc Gómez ha logrado una traducción al catalán cercana e inteligente que nos permite no perdernos ni un detalle de lo que Adam Gwon quería decir. Personalmente, me quedo con Favorite Places, que me puso la piel de gallina, y I'll Be Here, que me rompió el corazón.
Con dirección de Ferran Guiu y dirección musical de Joan Comaposada, el elenco está formado por Gracia Fernández (Guapos & Pobres, Flor de Nit...), Víctor Gómez (Grease, Los Miserables...), Marta Capel (Los Miserables, La Bella y la Bestia) y Xavi Duch (Guapos & Pobres, Hair, The Wild Party) como titulares y María Santallúsia, Albert Bolea y Lourdes Fabrés como covers. Aunque nos gustaría verlos a todos ellos, en la función de ayer tuvimos el placer de sufrir con Gracia, enamorarnos de Víctor, querer a Xavi y reírnos con Lourdes. ¡Los cuatro estuvieron magníficos! Además, disfrutamos con la ciudad de Nueva York, que nunca defrauda.
¡Corred al teatro! Reiréis, lloraréis y os emocionaréis. El final es maravilloso y saldréis con el corazón recompuesto y latiendo con más fuerza. Ayer tuve un día normal que se convirtió en especial al ver "Dies Normals". Hoy es un día como cualquier otro pero ¿quién sabe qué nos espera a la vuelta de la esquina? Mientras tanto, se trata de encontrar belleza en lo cotidiano.
[Scroll down to read this post in English, right after the text in Spanish]
Hay musicales que te conquistan con oír una sola canción y para cuando empiezas a ver retazos de la producción estás ya completamente vendida. Ese ha sido mi caso con Finding Neverland, el musical basado en la película protagonizada por Kate Winslet y Johnny Depp que cuenta la historia del autor de Peter Pan. Con música de Eliot Kennedy y Gary Barlow (Take That) y protagonizado por Matthew Morrison (Glee), Laura Michelle Kelly (Mary Poppins) y Kelsey Grammer (Cheers) -actualmente sustituido por Anthony Warlow-, este musical es una de las paradas obligadas esta temporada en Broadway.
Precisamente, hemos tenido la suerte de poder hablar con Laura Michelle Kelly, que interpreta a Sylvia Llewelyn Davies, para que nos cuente un poco cómo es este musical y por qué no podemos perdérnoslo. Para los que no la conozcáis, Laura ganó el premio Olivier por interpretar a la niñera más famosa del mundo, la mismísima Mary Poppins. No os voy a enumerar en todas las producciones en las que ha estado porque no acabaríamos nunca, pero incluyen títulos como Les Mis, My Fair Lady, The King And I o el musical de El Señor de los Anillos (sí, existió), pasando por la adaptación al cine de Sweeney Todd por Tim Burton. Así que, sin más dilación, aquí tenéis lo que nos ha contado Laura y al final del todo, tenéis el video de Laura y Matthew cantando What You Mean To Me.
BiS: ¿Cuándo supiste que
querías ser actriz?
LMK: Me enamoré de los escenarios con 11 años. Vi a mi hermano
pequeño formar parte de una función navideña y al año siguiente no veía el
momento de formar parte con él. Todos los días después del colegio iba directa
al teatro para participar en cualquier producción local que estuvieran
haciendo, hasta que cumplí los 17 y conseguí mi primera gran oportunidad en La
Bella y La Bestia, en el West End londinense.
BiS: Uno de los papeles
mejor conocidos de tu carrera es Mary Poppins. ¿Qué significó para ti originar
un personaje tan icónico en el West End?
LMK: Es muy especial haber formado parte de Mary Poppins.Ha significado tanto para tantas
generaciones… Incluso ahora, muchos padres todavía se me acercan y me dicen
cuánto les conmovió esa producción. Realmente fue un regalo que todavía me hace
sonreír.
BiS: Con una trayectoria
tan prolífica, debes tener docenas de anécdotas y momentos embarazosos sobre el
escenario. ¿Alguno que te gustaría compartir con nosotros?
LMK: Interpretar a la niñera perfecta siempre fue un reto,
especialmente cuando acabas cayéndote por las escaleras… ¡Creo que a la
audiencia le encantaba reírse cada vez que me caía! Jaja. La mayoría de mis
historias divertidas sobre el escenario me incluyen a mi tropezándome y dándome
de bruces. ¡Mi bolso mágico no apareció una vez! Eso fue bastante embarazoso y
ahora me puedo reír pero fue bastante complicado hacer magia sin un bolso
mágico lleno de atrezzo mágico!!
BiS: Alguno de los
personajes que has interpretado tienen en común que comparten el escenario con
niños, algo (que los niños trabajen) que genera un poco de controversia. ¿Qué
opinas al respecto? ¿Cómo ha sido para ti la experiencia?
LMK: ME ENCANTABA estar sobre el escenario de pequeña. La verdad
es que para mi no era trabajo y sigue siendo divertido. Creo que en el momento
que dejase de ser divertido cualquier padre haría que su hijo parase. Hay gente
increíble trabajando aquí que cuida de los niños en todo momento y se encarga
de su bienestar. ¡Nos lo pasamos todos genial! Una cosa que me maravilla es
cuánto talento tienen y con mucha más experiencia de la que tenía yo a su edad.
Todos mis cuatro (siete, en realidad, contando covers y suplentes) niños en el
musical me enseñan cosas nuevas cada día, es una bendición conocerlos.
BiS: Descubriendo Nunca
Jamás es una bonita pero triste historia sobre fortaleza e inocencia. ¿Qué
tiene esta historia que la hace atractiva?
LMK: Es genial formar parte de una historia que habla del clásico
tema de superar obstáculos y encontrar al héroe interior, cosa que se explora
en nuestra historia pero la música te eleva tanto como la trama y te llena de
adrenalina. Tenemos el placer de oír las reacciones en la salida de actores
cada noche sobre cómo los ha conmovido y ha ayudado a curar algo en sus propias
vidas. Hace que sea más fácil darlo todo cada noche cuando oyes respuestas así.
BiS: En estos tiempos de
tecnología, redes sociales y consumismo. ¿Crees que nuestra sociedad ha perdido
el contacto con ese niño interior, con esa inocencia?
LMK: Creo que sucede en el segundo en que tienes
responsabilidades. Es una buena idea intentar mirar el mundo a través de los
ojos de un niño. Si puedes. Una de las cosas que los niños y Matthew Morrison
me han enseñado es a tener una actitud de gratitud cada día. Está cambiando mi
perspectiva de la vida experimentar eso en el trabajo.
BiS: El musical se llama
Finding Neverland (“Descubriendo Nunca Jamás”). ¿Qué es para ti Nunca Jamás?
LMK: Creo que Nunca Jamás es una aventura y el hogar al mismo
tiempo. Cielos azules, árboles enormes, un lugar donde la paz y la diversión
existen al mismo tiempo. Sin lágrimas, salvo que sean de felicidad, y
definitivamente muchas historias. ¡Creo que el autor de Peter Pan, J.M. Barrie
acertó de pleno!
BiS: Estamos
completamente obsesionadas con la música del espectáculo. ¿Qué crees que ha
aportado la música de Gary Barlow y Eliot Kennedy a esta historia?
LMK: Siempre he sido una gran fan de Gary Barlow y Eliot Kennedy.
Han estado escribiendo canciones increíbles durante años. Ellos son tan
maravillosos como sus canciones.
BiS: Has estado en esta
producción desde su periodo en el ART. ¿Cómo ha evolucionado el show desde
entonces? ¿Ha habido muchos cambios a parte de los cambios en el reparto?
LMK: Canciones, escenas y coreografía han sido cortadas, editadas
o cambiadas, que es lo divertido de tener una prueba fuera de la ciudad. Mi
favorito es intentar descubrir la historia real que queremos contar. El foco de
atención cambiaba constantemente. Estoy muy orgullosa de con lo que hemos
terminado.
BiS: ¿Cómo es compartir
escenario con actores de televisión tan conocidos como Matthew Morrison y
Kelsey Grammer?
LMK: Son gente muy amable. ¡Me ha encantado compartir este viaje
con ellos! Tienen el corazón enorme y tiempo para todo el mundo. Me encantan.
¡Definitivamente tenemos una gran recepción en la salida de actores para ellos
cada noche!
BiS: De todos los famosos
que han ido a ver el musical, ¿ha habido alguien que te hiciera especial
ilusión conocer?
LMK: Siempre es divertido conocer gente que están creando cultura
a su manera, pero mi favorito ha sidoque viniera David Blaine a ver a los niños. Es un mago fabulosos y todos
los chicos están obsesionados con la magia. ¡Estaban emocionadísimos! Eso me
hizo muy feliz.
BiS: Cuando se crea un
personaje, generalmente le pones un poco de tu propia personalidad y tu Sylvia
es pura fuerza. ¿Qué tiene Sylvia de Laura? ¿Y Laura de Sylvia?
LMK: Consigues conocer a alguien a quien creas teniendo empatía
por ellos. Sobre el escenario se supone que no debe haber una línea visible
entre tu vida real y tus personajes pero tengo que decir que probablemente no
hay demasiada diferencia entre Sylvia y yo. Excepto la experiencia vital. Me
encanta jugar a juegos y los niños y la familia así que todo eso es igual, pero
yo nunca he perdido un marido ni he tenido 4 chicos así que ¡eso es nuevo! Creo
que nuestras personalidades son muy parecidas.
BiS: Si alguno de los
personajes que has interpretado pudiera ser tu mejor amiga, ¿quién sería?
LMK: ¡Me encantaría ser la mejor amiga de la reina de los elfos –
Galadriel! Es tan etérea y mágica y diferente a mi. ¡Creando árboles dorados y
curando a gente con su energía y viviendo en el corazón del bosque! Sin
mencionar hablar élfico todo el día. ¡Eso sería divertido tenerlo cerca!
BiS: ¿Qué le dirías a un
español que está pensando ver tu espectáculo para ayudarle a decidirse?
LMK: Quedarás deslumbrado por la historia del viaje de un hombre
para sobreponerse a la apatía. ¡Síguelo mientras se convierte en un héroe entre
piratas y se enamora curando el corazón roto de una viuda y sus cuatro niños y
se llega a ser un autor salvaje de camino!
BiS: Tenemos la
impresión de que esta temporada en Broadway ha sido fantástica para las
mujeres. ¿Qué se siente al formar parte de eso?
LMK: Simplemente me siento tremendamente afortunada de formar
parte de Broadway, punto. Realmente es una temporada fantástica, pero siempre
lo es aquí en Nueva York y creo que eso da buenas razones para volver siempre
todos los años.¡Broadway debería ser
siempre una temporada de aventuras que cambien la cultura! ¡¡Venid a visitarnos‼
Sometimes, there are musicals that make you fall in love just by listening to one of their songs and by the time you start watching small bits of the production you're already hopelessly head over heels with it. That's what happened to me with Finding Neverland, the musical based on the movie with Kate Winslet and Johnny Depp that tells the story of the author of Peter Pan. The musical, with songs by Eliot Kennedy and Gary Barlow (Take That) and starring Matthew Morrison (Glee), Laura Michelle Kelly (Mary Poppins) and Kelsey Grammer (Cheers) - right now taking some time off, his role played by Anthony Warlow (Annie)- is one of the MUST SEEs this season.
We've been lucky to get the very Laura Michelle Kelly to answer some of our questions to give us a little more insight into the musical and tell us why we mustn't miss this show. For those of you who don't know who she is, Laura won an Olivier Award for the role of the most famous nanny ever, the practically perfect Mary Poppins among a very long list of other shows. Seriously. I'm not gonna list them all, this post is already long as it is and I guess you all get what I mean :P
So, without further ado, here's what the lovely Laura Michelle Kelly has told us!
BiS: When did you know you wanted to be an actress?
LMK: When I was 11 I fell in love with the stage. I watched my baby
brother take part in a Christmas show and the next season I couldn't wait to be
a part of it with him. Everyday after school I would go straight to the theatre
to be a part of any local show that was going on, up until the age of 17 when I
got my first big break in Beauty and the Beast in London’s West End.
BiS: One of the best-known roles in your career is Mary Poppins. What
did it mean for you originating such an iconic character on the West End?
LMK: It's so special to have been a part of Mary Poppins. It’s meant so
much to so many generations. Even now, a lot of parents still come up to me and
say how moved they were by that production. It was really a gift it continues
to make me smile.
BiS: With such a prolific career you must have had dozens of anecdotes
and embarrassing moments onstage. Any remarkable one you’d like to share with
us?
LMK: Playing the perfect nanny was always a challenge especially when
you end up falling up the stairs…I think the audience loved laughing at the
times I fell over! Haha. Most of my funny stories on stage involve me tripping
up and landing on my face. My magic bag didn't show up once! That was quite embarrassing
and now I can laugh about it but it was very hard being magical without a magic
bag filled with magical props!
BiS: Some of the characters you’ve played have in common that they share
the stage with children, which is something (having kids work) that arises
a little controversy. How do you feel about that? How has the experience been
for you?
LMK: I LOVED being onstage as a child. It certainly wasn't work for me
and continues to be fun. I think the second it isn't fun any more any parent
would let their child take a break from it. There are such incredible people
employed to look after the kids at all times and look after their welfare. We
all just have so much fun! One thing I marvel at is how talented they are and
far more experienced than I was at that age. All my four (seven, really, as
there are covers and understudies) children in the show teach me new things
every day it's such a blessing to know them.
BiS: Finding Neverland is a beautiful but sad story about strength and
innocence. What is it that makes this story appealing?
LMK: It's so great to be a part of a story that talks about the
classical theme of overcoming obstacles and finding the hero within, which we
really explore in our story but the music is as soaring as the story line and
fills you with adrenaline. We have the pleasure of hearing
feedback at the stage door every night about how it moved them and
healed something in their own lives. It makes it easier to give our all every
night when you hear feedback like that.
BiS: In these times of technology, social media and consumerism, do you
think our society has lost touch with that inner child, that innocence?
LMK: I think it happens the second you have responsibilities. It's a
good idea to try to look at the world with child-like eyes. If you can. One
thing the kids and Matthew Morrison have taught me is to have an attitude of
gratitude everyday. It's changing my perspective in my life to experience that
at work.
BiS: The show is called Finding Neverland. What is Neverland for you?
LMK: I think Neverland is adventure and home at the same time. Blue
skies, huge trees, a place where peace and fun exist at the same time. No
tears, unless they are happy ones, and definitely lots of stories. I think
Peter Pan playwright J.M. Barrie got it right!
BiS: We’re completely obsessed with the music from the show. What do you
think Gary Barlow and Eliot Kennedy’s music has added to this story?
LMK: I've always been a huge fan of Gary Barlow and Eliot Kennedy.
They've been writing amazing songs for years and years. I'm so glad I got to
know them through this process. They are as wonderful as their songs.
BiS: You have been in this production since its run at the ART. How has
the show evolved since then? Have there been any changes apart from the cast
changes?
LMK: Songs, scenes, and choreography have all been cut, edited or
changed which is the fun of having an out of town try-out. It's my favourite
thing to try to figure out the real story we want to tell. The focus kept
changing. I'm so proud of what we ended up with.
BiS: How is being onstage with such well-known tv actors as Mr. Morrison
and Kelsey Grammer?
LMK: They are such kind people. I have loved sharing this journey with
them! They have big hearts and so much time for anyone. Love them. We definitely
have a great turn out at Stagedoor for them every night!
BiS: Of all the celebrities coming to see the show, was there anyone you
were particularly excited to meet?
LMK: It's always fun to meet people who are creating culture
in their own way, but my favourite has been David Blaine coming to see the
kids. He's a fabulous magician and all the boys are obsessed with magic. They
were beside themselves! That made me so happy.
BiS: When creating a character, you usually put a little of your own
personality into it and your Sylvia is a powerhouse. What does Sylvia have
from Laura? And Laura from Sylvia?
Laura as Galadriel
LMK: You get to know someone you create by having empathy for them.
Onstage there isn't supposed to be a visible dividing line between your real
life and your characters but I have to say the difference is probably not so
much between me and Silvia. Except life experience. I love playing games and
kids and family so that's all the same but I never lost a husband or had 4 boys
so that's new! I think our personality seem very close.
BiS: If you could be best friends with one of the characters you’ve
played, who would that be? Who has the most similar personality?
LMK: I'd want to be best friends with the queen of the elves -
Galadriel! She's so ethereal and magical and unlike me. Creating Gold trees and
healing people with her energy and living in the heart of the forest! Not to
mention speaking elvish all day. That would be fun to be around!
BiS: What would you say to a Spaniard who is thinking about seeing the
show to help him make is mind up?
LMK: You'll be blown away by the story of one man’s journey to overcome
apathy. Follow him as he becomes a hero amongst pirates and falls in love
healing a broken heart of a widow and her four boys and becomes a wild author
along the way!
BiS: We get the feeling that this season on Broadway has been terrific
for women. How does it feel being part of that?
LMK: I just feel so lucky I get to be a part of Broadway, period. It
really is a wonderful season but then again it always is here in New York and I
think that makes good reasons to always come back every year. Broadway should
always be a season of culture-changing adventures! Come visit us!!
